La danza si è sviluppata storicamente come una disciplina essenzialmente di tradizione “orale”, non scritta, basata sull’apprendimento diretto delle sue tecniche e dei suoi principi, sulla trasmissione da maestro ad allievo dei modi, dello stile, e sulla memorizzazione del repertorio coreografico. Nelle più antiche civiltà essa rappresenta sempre un’esperienza determinante nella vita di gruppo sociale. L’uomo primitivo esprime danzando ogni fondamentale avvenimento comunitario: nascite, morti, matrimoni. La danza primitiva è danza guerriera, danza magica, danza sacra, danza della fertilità. La comunicazione avviene tramite i movimenti significativi del corpo: è dunque un linguaggio il cui strumento è il gesto. Ma la danza non è soltanto comunicazione gestuale: essa consiste innanzitutto in un movimento ritmico, in quanto il corpo umano che danza segue sempre un determinato ordine cinetico, che si svolge in rapporto al tempo e allo spazio.

Una persona che danza modella le forme del suo corpo nello spazio per dire, suggerire, affascinare. L’autore di una danza seleziona alcuni movimenti fra tutti quelli che il corpo è in grado di eseguire e li concatena, così come un poeta sceglie le proprie parole ed il loro accostamento.

La danza teatrale occidentale, vale a dire la manifestazione spettacolare di quest’arte, concepita e strutturata per essere rappresentata di fronte ad un pubblico, nella storia della cultura europea di quattro secoli si è per lo più identificata con la forma classica del balletto: un genere che ha assunto una fisionomia specifica sia dal punto di vista dei moduli di movimento adottati (la tecnica accademica del balletto) sia dal punto di vista strutturale (una certa concezione del disegno coreografico, del rapporto danza – scenografica) sia infine dal punto di vista delle tematiche affrontate (i contenuti favolistici, i temi d’evasione della realtà). È importante osservare, che soltanto ai primi del Novecento, esso è stato messo in discussione da quella corrente di rinnovamento della danza teatrale che va sotto il nome di “danza moderna”. La tedesca Loie Fuller e le americane Isadora Duncan e Ruth Saint-Denis si proclamano artiste a pieno titolo e rifiutano che la danza sia ridotta ad elemento decorativo nel contesto di balletti il cui unico obbiettivo è abbagliare il pubblico con grandiosi allestimenti. Inoltre, indipendentemente l’una dall’altra, ciascuna delle tre elabora uno stile di danza senza legami con i movimenti codificati della danza accademica. Le diverse esperienze delle danzatrici moderne possono essere inserite in una corrente unitaria, per via delle origini che le accomuna: vale a dire la medesima volontà di ricerca di moduli espressivi originali, al di là degli schemi statici e artificiosi imposti dalla lunga tradizione del balletto classico. La leggendaria figura di Isadora Duncan è da sempre associata all’idea stessa di una danza libera da schemi precostituiti. Gli assoli che questa innovatrice creava per se stessa traevano ispirazione direttamente dalla sua personale visione della vita e dal suo profondo rispetto per l’essere umano. L’abbigliamento di scena adottato dalla danzatrice americana è un ulteriore segno della rottura con l’ingombrante passato: i tutù e gli strettissimi corsetti sono sostituiti da una tunica quasi trasparente che segue morbidamente, senza costringerle, le forme del corpo. Inoltre ella danzava a gambe e piedi nudi, o con leggeri sandali. Mentre l’alzarsi sulle punte della ballerina accademica simbolizzava il suo appartenere a una realtà immateriale, l’americana, accentuando il proprio contatto con il suolo, afferma la reciproca appartenenza tra il pianeta terra e il genere umano. Vi è dunque una tendenza continua a restituire al corpo la sua reale dimensione di libera creatività: e questo significa, innanzitutto riconoscerne il valore di realtà essenziale che si definisce e si esprime in un tutto con l’interiorità. 

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Studiare canto moderno, oggi, significa approfondire, oltre alla tecnica vocale, tutta una serie di discipline e nozioni correlate al principio fondamentale di “fonazione” ovvero di emissione del suono.

Ricordiamo che, oltre all’importanza di sviluppare consapevolezza della tecnica vocale e dell’uso del proprio strumento, un cantante non deve mai dimenticare il proprio ruolo di performer; alla base del training del cantante moderno oltre, naturalmente, a uno studio mirato e approfondito della tecnica vocale, ci devono essere quindi studi che portino alla consapevolezza stilistica nei vari generi, allo sviluppo di una personalità artistica sul palco e “in scena”, alla maturazione di un sound personale ecc…

Non dimentichiamo infine che un cantante è anche un musicista, in altre parole una persona che utilizza il proprio strumento in un contesto nel quale è circondato da altri strumentisti con i quali deve essere in grado di comunicare attraverso l’uso di un linguaggio comune. Per questo motivo il cantante, come ogni altro musicista, deve approfondire anche le proprie conoscenze teoriche, armoniche e musicali.

lla MA2000 abbiamo elaborato e adottato dei programmi didattici e dei metodi di riferimento che permettono di lavorare su tutti questi fronti.

Sia nel triennio di National Diploma sia nel triennio BA gli allievi lavorano costantemente sulla tecnica vocale, sull’approfondimento stilistico, sulla presenza di palco e sulle conoscenze teorico-armoniche; naturalmente lo sviluppo di ognuna di queste nozioni è graduale e guidato da insegnanti che seguono, sia a livello di lavoro di gruppo che individuale, i singoli allievi fino allo sviluppo massimo del potenziale di ognuno di loro.

Lo sviluppo tecnico viene affrontato sia nelle lezioni di gruppo col supporto dei metodi che spiegano e mostrano anche a livello anatomico il lavoro svolto dallo strumento voce durante gli esercizi e i vocalizzi che vengono insegnati, sia nelle lezioni individuali dove l’allievo viene seguito singolarmente dai vocal coach e durante le quali approfondisce lo studio del proprio strumento in maniera più mirata.

Il lavoro sul live, sulla presenza scenica e sulla consapevolezza stilistica viene approfondito durante le esibizioni previste durante i corsi (a partire dai corsi kids, teens fino a quelli di National Diploma e Bachelor of Arts) e durante i tantissimi laboratori (obbligatori e facoltativi) offerti dalla MA2000 che vanno a coprire tutti i generi “moderni” come il pop, il rock, il blues, il soul, il rhythm and blues, il funk e il jazz. Inoltre, sia attraverso il CSA (Centro Sviluppo Artisti), sia attraverso il laboratorio di Songwriting, viene data agli allievi di canto e ai potenziali cantautori la possibilità di lavorare sul loro materiale originale e di sviluppare un proprio progetto musicale, un repertorio di brani originali e un sound individuale e personale.

Le conoscenze teorico-armoniche e di ear-training sono sviluppate, sin dai primi anni, durante le lezioni collettive indirizzate a tutti i musicisti e ai cantanti indiscriminatamente, in modo da portare tutti gli allievi allo stesso livello di conoscenza.

Tutti i docenti del dipartimento di canto della MA2000 hanno vasta esperienza nel campo dell’insegnamento, titoli accademici conseguiti presso università, conservatori e istituti musicali italiani ed esteri che li qualificano per insegnare canto e musica ai livelli più alti e vasta esperienza come coristi o artisti di live, di studio recording ecc…

Studiare in un’accademia i cui titoli di studio sono riconosciuti a livello internazionale e che offre programmi didattici elaborati da docenti di grandissima esperienza, spazi attrezzati per studiare e un auditorium con un palco per misurarsi con l’esperienza del live, insegnanti le cui competenze sono certificate dalle istituzioni più prestigiose in questo campo e i cui curriculum comprendono tour, dischi, pubblicazioni ecc… è il modo migliore per trasformare la passione del canto in una vera e propria professione.

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